半熟ドクターのジャズブログ

流浪のセッショントロンボニストが日々感じたこと

言いたいことだけ言っとくわ。アドリブの練習の要点な。

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ひなたが気持ちいいワン…

どうやったらアドリブができるようになりますか?
アドリブするためにはどうすればいいですか?

もうね。そりゃそうだ。
その質問。わかるよ。

アドリブの仕方。方法論。
どうやったらいいかわからへん。

でも、そういいながら、質問している君も、君なりに、アドリブやろうとしたんだよね?

やらずに質問する人は、とりあえず何でもいいからやってみてください。

まずは思い切って飛び込んでみる。
そこでケガをしたあと、このアドバイスを参考にしてみてください。
結局なんだかんだいって、やらないとうまくならないのは事実です。
そして、下手なアドリブをリベンジして乗り越えないと、うまくならないです。

以前にこういうのも書きました。ビジネスにおけるPDCAを回さないといけないです。
jazz-zammai.hatenablog.jp

* * *

さて、ではその方法論です。
アドリブを行うための練習方法は様々ですし、これじゃないとダメ、とかもないです。
それぞれの練習方法は、自分で見つけてください。
もちろん教則本を見ても構いません。
練習方法はいろいろ試すべきです。
我々は仕事ではなく、遊びで音楽やっているんです。
楽しくないと意味がないですから。

ただまあ、試行錯誤するにも、いちおう経験者の実践的なアドバイスでも、しておきましょうか。

  • アドリブ演奏では、基本的に楽譜をみません。複雑な楽譜の情報を音にする作業よりも、頭の中でフレーズを作ること、そして「音」を大事にしてください。
  • ジャズは転調の多い音楽です。特にアドリブでは曲内で無数の転調(というか、コードチェンジ)を繰り返します。転調の練習は役立ちます。

最初はアドリブ全然ダメだったおじさんからのアドバイスです。
そして、ここを避けていると結局アドリブになりません。

譜面をみない、譜面にしない

暗記をしなさい、暗譜をしなさい、といっているのではないんです。
アドリブをするときには、頭の中でぶんぶん乱流のように渦巻いている思考の端っこを捕まえて、それを音にする、という作業をしています。そういう脳の使い方をしないと、アドリブのフレージングってとっさにでないんですよ。

例えば譜面に書かれた複雑なフレーズとかソロのコピー譜、エチュードをみながら、それを演奏する練習(これは他のジャンルでは当たり前に行われることです)は、いくら複雑なフレーズが吹けるようになっても、アドリブの実践にはつながりません。
もちろんそれが不要だとはいいませんが、しかしそれ「だけ」では、アドリブはできないということです。

なぜなら、使っている脳の領域が違っているから。

譜面を再現する。
これは、目で楽譜を読み、それを音のイメージに直し、それを楽器で再現する、という作業です。
これはこれで優れたミュージシャンになるためには必要なんですけれども、
譜面を吹くことと、アドリブを吹くことは、脳科学的には多分全然違う。

朗読と、会話では、使っている脳の場所が違っている。
それと同じことです。

* * *

例えば、Any Keyの練習などのときに、やるべきスケールをすべてのKeyで書き出して、書き出した譜面をもとに練習する方おられませんか?
もちろん、ポジションを覚えたりする意味で、この作業が全く無意味とはいいません。
ただ、それで終わってはアドリブのため練習にはならない。
いくら複雑なことをしていても、書かれていることを逐語翻訳しているだけだからです。
読譜力には繋がりますが、アドリブ力にはならない。

こういうのは、やろうとすることを楽譜にするより、言葉で表現した方がいいです。

ドレミファソラシド、ドシラソファミレド。半音ずつ上行してキーチェンジ。
とか。

で、書かれたオーダーを頭で再現する作業が大事です。
譜面を介さず、直接吹くようにしないと身につかないと思います。
内容を言語化し、オーダーを自分に課して、実行しましょう。
譜面に落とさない方がいいと思います。

もうちょっと言うと、特にフロント楽器については、
セッションの前に出て行って吹くときに、黒本とかを見ないで吹いた方がいいです。

特に吹奏楽では、楽譜がとても重視されます。吹奏楽出身の奏者は、敢えて楽譜なしで吹く努力をした方がいいと思いますね。

さらにいうと、楽譜よりもCDとか音源そのものに興味を持つようにしてください。
ジャズは楽譜によって「固められた」音楽ではなく、その場の音に対して相互作用してゆく音楽です。
音を出す根拠を、「楽譜」から「音」そのものに注力した方がいいです。

転調

端的にいって、ジャズは転調の多い音楽です。
なので、転調をばんばんノーモーションで繰り出せる練習をすると、実践に役立つことが多いです。

曲中の転調に対応するためには、インテンポで転調する練習をしましょう。
基礎練の時に転調と転調の間で息継ぎをして意識を切らせている場合が多いのですが、メトロノームに合わせて、一小節単位で転調してゆく(半音ずつとか、4度ずつとか)練習は、非常に実践的です。

吹奏楽でも、ドレミファソラシドをすべての調で吹いたりはすると思いますけど、
inC でドレミファソラシド、ここで息継ぎして、次は in Dbでドレミファソラシド… としているようでは、
使える転調にはなりません。息継ぎ、意識の途切れがないまま転調する練習をぜひしてください。
メトロノームを鳴らして、インテンポで。

例えば Fのキーから半音ずつまわって一周というのは難しいかもしれない。
その時は、できるキーで構いません。
FからC,Gくらいまで、反対方向にBb Eb Ab。
これくらいでも最初は構いません。

* * *

また、相対音感…というほどではありませんが、相対度の感覚をつかむために、好きな曲のテーマ(覚えているものにしましょう)を、すべてのキーで吹くことはよい練習になります。
調性の動かないメロディーが最初はおすすめです。My Little Suede Shoesとか、Moritat、枯葉とか。

これは苦手な人には絶望的な作業です。
しかし一曲こなすことができたら、あとは結構ラクです。

慣れたらAll the ThingsとかIpanemaとか調性のまあまあ動く曲でチャレンジしてみてください。
楽器うまいけど音感乏しい、昔の僕のような人は、Sir DukeTuttiのところをやると、ストレス解消になります。

デタラメやるメソッド

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デタラメなんだワン!
アドリブのやり方として、
裏技的なものとして、例えば、Fのブルースとかで、デタラメ…というか、Non-Diatonicの音をたくさんだして切り抜ける、という方法をとる人が、一定数いる。

よくあるのは、

  • Tonalityを無視して、クロマチックな音列を並べる
  • Tonalityを無視して、例えばTonalityから比較的離れたキーのペンタトニックフレーズを並べる

みたいなやつだ。

過去20年くらいアマチュア・ミュージシャン界隈をみているが、数パーセントの確率でこうしたスタイルをとる人は出現する。
どの楽器にも等しく出現するが、他の楽器に比べるととりわけトロンボーンでは出現頻度が高い。

このメソッドをとる人に共通の性質として、

  • 音がでかく、トロンボーン吹きとしては優秀。
  • 速いフレーズも吹ける。
  • 譜面は相当なところまで吹ける
  • どちらかというと音感には優れていなくて、コードなどは苦手

という特徴があります。
つまり、コード感やスケールにそった演奏は苦手で盛り上がっている演奏の現れとして、こういうスタイルを選択してしまう、わけです。


力技といえば力技だし、強引といえば強引。
実際に、普通にアドリブを取る人間が聴けば「何やってんの?無茶やなあ…」と感じられてしまう。

* * *

この手のタイプは、例えば、大学の部活とか、ビッグバンドのコミュニティで醸成されることが多い。

要するに、ソロの聴き手のレベルも高くない場合、アウトフレーズを正しく解釈できない。
こういうスタイルの提供者は、そうした場において、こういうソロがなんとなく受けいられた結果として、このスタイルを選ぶようです。

率直に言ってしまえば、がっつり確信犯で「デタラメ」を吹く、ということになります。

これは「裸の王様」メソッドでもあり、クローズド・マインドでソロを評価すると、「それあかんで」という事になるけれども、オープンマインドで、いい所を拾っていこう的な観点では「なんかかっこいいことやっているかもしれん」てなるんです。

口さがなく言ってしまえば、この手のソロの出現を許すコミュニティには、一定の特徴があります。
コミュニティのアドリブソロのクオリティが低く、誰もまともにアドリブソロを評価も批評もできない。
コミュニティがあまり開放的でなく他との交流が少ない。
アドリブソロについて、他のメンバーもあまり積極的でもなく、対抗馬もいない。

ま、要するにアドリブのレベルの高いところでは、こうしたソリストは淘汰されるか、スタイルの見直しを図られることが多いんです。

デタラメメソッドの長所

ただし「デタラメメソッド」には悪いことばかりではありません。

デタラメメソッドは、フレージングについてはデタラメではありますが、アドリブの盛り上がりとか、アドリブ演奏の興奮(エキサイト)というものを正しく伝えようという姿勢に満ち満ちています。

高速のスピードでNon-Diatonicのフレーズを繰り出すことによって、ソロが盛り上がっているピーク時の演奏を、なんとなく再現できているわけです。

特にこういうソロの起承転結感とか盛り上がり感は、ビッグバンドのソロ(コンボの、少しづつ積み上げていってピークに持っていく演奏とは違って、いきなりトップギアに入れるような演奏が求められます)においては、はまりやすい。

実際、ビッグバンドのトロンボーンソロって、モノホンの人もこういう「ようわからんソロ」としかいいようがない珍妙なソロ結構いっぱいあるんですよね。
また、コンボでも、他の楽器のソロでも、最も盛り上がっているところでは「ブギョー!」だったり「ピロピロピロピロ…」だったり、要するにバーサークしているような部分が結構あるもんです。
あれを丁寧にコピーしていると、そういう感じにもなる。

対照的に、コードにそって、丁寧にフレーズを並べていても、盛り上がれないソロ、というのもあります。
楽器あんまりうまくないけど訥々とコードに沿ってフレージングするようなタイプのソロ。
アートファーマーとか、ケニードーハムを、さらに訥々としたようなソロ。*1

こういうソロは、逆に盛り上がり感を出すことは不得手で、ビッグバンドでは、むしろ「デタラメメソッド」の方が映えることさえあるわけです。

デタラメメソッドの弱点

「デタラメメソッド」には一定の強みがあり、また、ビッグバンドでのトロンボーンソロは、オリジナルにしてからそういう要素も多分にあるので、どうしてもデタラメメソッドのスタイルのトロンボニストが一定数出現するんだと思います。
トロンボニストにとっては、デタラメメソッド、ある程度しょうがないんじゃないかなと思います。ごく一部の人間を除けば、トロンボーンでアドリブソロをとる際、最初からできている人はかなり少ない。

ただ、デタラメメソッドの弱点は、

  • ソロの盛り上げしかできない。盛り上がっている曲でしかはまらない。
  • 一発ものとかならいいが、コード進行の複雑な曲だとうまくいかない。

という、致命的な弱点があります。
勢いに任せた奏法であるわけで、勢いを削いだ状態では途端に魅力を失ってしまいます。

デタラメメソッド奏法のプレイヤーの持ち味を殺したければ(例えばジャムセッションなどで)、

  • バラードをさせる。スロウな曲をさせる。
  • バラードのテーマとソロの部分をさせる。
  • 歌ものとかのオブリガードをさせる(フロント楽器にとってはもっともわかりやすいコード感が必要とされるたぐいのタスクです)

逆に、Giant StepsとかCherokeeとか、そういう曲だと、めっちゃかっこいい演奏に化けることもあります。(もちろん一発ものじゃないので、空振り三振になるかもしれません)
コードを無視できる、というのも、時と場合によって強力な武器になることもある。

* * *

デタラメメソッドを脱却するためにはどうしたらいいか?
まあ、このBlogは半分以上そのために書かれたようなもんですが、

  • きっちりAny Keyの練習をする
  • Tonalityを身に着ける練習をする

ことが必要でしょうかね。

*1:こういうソロイングはソロの出だしとかではとても有効なんですが、しかし盛り上がれず終わってしまう

第3回福山ジャズ検定

drive.google.com

えーと、福山というのは私の住んでいる街のことなんです。
8月にジャズの初心者向けワークショップというのをやったんですが、その時に中級者以上に退屈しのぎにクイズとか作ってみたわけです。

えーと、そんなに好評でもなかったんですが(笑)*1
このクイズ作りって、わりと一旦作り始めると結構やみつきになるんですよね…
というわけで今回は第三回。

どちらかというと、Jazz Musician向けの内容となっています。楽器奏者ですね。
ジャズの理論とか、曲への知識を問う問題が多いです。

ではどうぞー!

* * *

過去のクイズも一応載せておきます。

第1回ジャズ検定

drive.google.com

初回は100点満点で全19問。*2
これは 有効回答 58例(重複あり)時点で平均点は 57点です。
まだの人は、興味あればチャレンジください。

第2回ジャズ検定

drive.google.com

第一回の反省を踏まえ、いわゆるジャズのリスナー向けの内容になっています。
ボリュームは半分にして、50点満点。
ただ、色々問題に不備があったので、あまり大々的には宣伝せず、ひっそりと終えました。
現時点では平均点は 28点です。

*1:難しすぎるわ!マニアックすぎるわ!という批判続出。

*2:20問も作るとしんどいので以降50点満点にして問題数を減らしました

使っていい音について その3

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問い:使っていい音、使ってはいけない音、というのがよくわかりません。
 自分がアドリブを吹いたりする時に、「あっこの音、はまっていない!」と思う瞬間はあります。おそらくその音の使い方が不適切なんだと思うんですけれども、なぜその音がいけないかが解らないんです……
 でも、理論書をみて"Available note scale"とか書いてあるものの範囲内でも、はまっていないなと感じる時があるんです。
 よくわかりません。

「使っていい音」について その1 〜Available Noteの謎 - 半熟ドクターのジャズブログ
使っていい音について その2 - 半熟ドクターのジャズブログ

の続きです。

「間違い」と感じる理由

 では、理論的に、無限の自由度が許されるのであれば、なぜソロによっては「間違っている!」と感じられるようなものが生じるのでしょうか?
それは我々の耳の錯覚なんでしょうか?

オッカムの剃刀

オッカムの剃刀」という法則がありますね。

[オッカム-の-剃刀]Occam's razor; Ockham's razor
Occam's razor is a principle attributed to the 14th-century English logician and Franciscan friar William of Ockham. The principle states that the explanation of any phenomenon should make as few assumptions as possible, eliminating, or "shaving off," those that make no difference in the observable predictions of the explanatory hypothesis or theory. The principle is :
entities should not be multiplied beyond necessity.
(ある事柄を説明するのに、必要以上に複雑な仮説を立ててはならない)
(Wikipediaより)

人は、可能であれば、出来るだけシンプルな理論に基づいた解釈を望みます。

あるコード進行に対して、無限といってもいいアプローチがあるけども、選んだ音をシンプルに説明できるのであれば、シンプルに説明すべきであるし、脳はそうとらえます。

ドレミの枠内で説明がつくものは、ドレミの(要するにダイアトニックスケールの)範囲で説明するし、我々の脳内もそういう風に解釈します。
例えば、スタンダードナンバーのメロディーなどは、ダイアトニックな音階で作られていますよね。
我々の中心部にはやはり強固にダイアトニックな音階が刷り込まれている。
 基礎と応用でいえば、基礎部分にはがっちりドレミ(ダイアトニック)の世界でできています。

 あるコードとフレーズの関係性を、シンプルにも、複雑なリハモでも説明できる場合、我々の脳はシンプルに解釈します。
 ゆえに、ダイアトニックスケール(要するに、ドレミの音)だけを使ったフレーズはダイアトニックコードの上で処理される。

 で、こういう時にアドリブで「間違っている」と強烈に感じられやすいのは、トニックにおける四度の音です。
 イオニアンスケールでは四度=ファの音が、Avoid Note(=厳密にいうと「避ける」というよりは「慎重に扱うべき」音というべき)なんですが、それなりの音価を持ってこの音を置くと、明らかに違和感がでてきます。どちらかというと、聴き手ではなく、自分の中で。

 では、ダイアトニック以外の音列ならどうか?
 non-diatonicの音を交えたフレーズは、様々な理論的アプローチが考えられるがゆえに、一瞬、判断停止に陥ります。だから、むしろダイアトニックの音を使って、コードの解決感が示されない場合に、人は「間違い」であると判断を下しやすいようです。
 ですから、一見矛盾しているようですが、いわゆるAvailable note scaleといわれる、そのキーの音よりも、キーの音以外の音(non-diatonic note)の方が、案外間違って聞こえない。

共時性の排除

 あと、大事なことは、アドリブのある部分で存在が許されるのは一つの理論に従って選択されたスケールです。
 同時に、複数のスケールが混在することは許されません。
 要するに、G7のところでは オルタードスケールを使ったり、調性はCなのでCのドレミの音(G ミクソリディアン)を使ったりできますが、同時にごちゃまぜにしたらいかん、ということです。オルタードで行くならオルタードで、ドレミでいくならドレミ、どっちか選ばなきゃいけない。切り替えることはできますが、まぜちゃだめです。

 例えばコース料理を考えますと、前菜があって、オントレ、メイン、デザートがある。これらは一つずつ順番に出ることでそれらの存在感をお互いに増すことが出来るわけです。もし、メインの中にデザートが突っ込まれて一緒に出てきたらどうでしょう?味の足し算、とはいわないですよね。台無しです。
 音楽でも同じで、カラフルなサウンドを作ろうと思っても、すべてのエッセンスを一度につめこんでは期待した効果を得ることは出来ません。

 もちろん、一つのフレーズの中では必ず一つの理論に従ってフレーズを作るべし、なんていいません。
 しかし、例えばIIm7-V7-Iでフレーズを作るとして、前半は、IIm7のコードトーンを使った(スケールで言えばドリアン)フレーズ、V7の一二拍はミクソリディアンで、三四拍目はオルタードスケールのフレーズを吹いたとしましょう。この時、オルタードに変わったらそのあとはオルタードスケールの枠内でしか音を使うべきではない。このオルタードスケールにミクソリディアンの構成音を混ぜると、すべての音が使えることになりますが、それでは何がなんだかわからなくなってしまいます。

 でも、アドリブの上ではオルタードに変化するタイミングは何拍目でもいいわけです。
ミクソリディアンのフレーズを吹いているある時点をもって、「次に吹ける音」を考えると、1:そのままミクソリディアンでフレーズを作ってもいいし、2:オルタードの音を使ってもよい。即ち、すべての音を使うことができます。これは最初に挙げた「おはようございます、□…」の例と同じですね。

まとめ

 すべてのものを選ぶことができる。我々には選択の自由がある。
 しかし、同時に選べるのは一つ。
 そして、選んだ語法にそって出たフレージングに我々は責任をもたなきゃいけない。
 そういうことです。

 シュレーディンガーの猫のようですね。
 理論的には 例えば V7のコードで、様々な可能性がありうる。V7は非常に多彩なアプローチが許される。それは、頭の中にある時は、ある存在確率の雲のような形で存在しています。
 しかし、実際に音を選んで出す時には、一つの理論によって導かれた音列になる。

 我々が吹いたフレーズは、聴者の耳にて、再び解釈されるわけです。ここで、選んだ語法の範疇に収まらないフレーズは、エラーに聞こえてしまう、ということになります。特に、自分のフレーズを自分が聴く場合は、自己再解釈ではなく、背景の語法は自分の中で決めていますよね。
 その語法からずれていたら、「間違っている」と認識されると思います。

 だから、自分では「ミスした」と思っていても、他者にはそれほど間違っていないように聴こえることは、よくあります。

 

使っていい音について その2

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問い:使っていい音、使ってはいけない音、というのがよくわかりません。
 自分がアドリブを吹いたりする時に、「あっこの音、はまっていない!」と思う瞬間はあります。おそらくその音の使い方が不適切なんだと思うんですけれども、なぜその音がいけないかが解らないんです……
 でも、理論書をみて"Available note scale"とか書いてあるものの範囲内でも、はまっていないなと感じる時があるんです。
 よくわかりません。

前回の続きです。

jazz-zammai.hatenablog.jp

使っていい音、使ってはいけない音、というのはなんなんでしょうか?

話し言葉とのアナロジー

jazz-zammai.hatenablog.jp

 以前に「理論」の項でも試みたように、音楽を会話、話し言葉などのアナロジーで考えてみます。

 言葉はひとつひとつの文字の連なりから構成され、音楽はひとつひとつの音(音符)の連なりから構成されますね。
 (そういえば、そうやって出来た分節/音節は、共に「フレーズ」という言葉で表されます。)

 ここで注意してもらいたいのは、言葉の場合、文法によって規定されるのはひとつひとつの文字ではなく、あくまでそれが連なって完成したフレーズ、分節・文章に対してだということです。

 音楽も同じです。ひとつひとつの「単音」に文法(この場合音楽理論)を当てはめることは適当ではありません。
 
 例えば、「おはようございます、□…」という文があったとしますわな。
 □の部分に言葉を入れる。

 色々な言葉を入れることができますよね。
 「ああ、又遅刻しちゃったよ…」であったり「今日もよろしくお願いします」だったり。

 この、四角の枠の部分の最初の一字に、使ってよい言葉、いけない言葉というものはありません。
 もし、使っちゃったら、その言葉を含む文を作ってやればよい。

 たとえば、どうしても「さ」という言葉を入れて会話を成立させようとした場合、
「おはようございます、『さ』あ今日もがんばるぞ~」とか
「おはようございます。『さ』て、昨日の件だけどどうなってる?」とか、まぁ、どうにでもなりますよね。
 逆にある文字を使わないというのも、意識すれば可能です。
(むかし幽遊白書の中にそのような勝負があったように思う。蔵馬が戦ってたやつね。)

 こういう観点で考えれば
『どんな文字でも使うことができる』『使ってはいけない文字はない』、といえる。しかし、

「おはようございま□」であれば、これはかなり意味が変わってきます。

 この場合、ここに入れて意味が通る文字はかなり制限される。

例えば、先ほどと同じで「さ」を入れてみる。

「おはようございまさ」

  (……?)
  (「まさ?」)
  (「まさ? 何?」)
 などと、要らぬ憶測をよんでしまいますが、これは明らかに文法的に意味をなしませんし、その次に言葉を繋いで行くのもむずかしい。
 でもまあ、江戸弁の魚屋、みたいな言い方で「おはようございまさぁ!」とというなら、ありかもしれない。

 この例で解るように、同じ言葉を選ぶにしても、全く自由に選択することが許される部分と、文法的にストリクトに規定される部分(他の言葉の影響を受ける部分)があります。

 音符でもやはり同じようなことがいえるわけです。一つ一つの音符だけを見てゆくと、どこに何の音を置いても文章を成立することができるが、結局は他の音符との並びにて整合性が決まっていくわけです。

 なんとなく、いいたいことがわかりましたでしょうか?

「正しさ」は一つではない

 では、文脈における正しさ・正しくなさ、の基準は、具体的にはなんでしょうか?

 困ったことに、実はジャズ全般に通用する決まりは、ないと言えます。

「ジャズ」と一括りにしていますが、その理論的なアプローチは時代と共に相当変遷しております。
むしろ過去に作られた理論を覆す方向で新しい音楽理論は拡張される傾向がある。
表現として、時代が下るとともにどんどん多様な方向に向かっているのがジャズです。

ですから、例えば1950年代のビバップハードバップの文脈ではふさわしくない音使いでも、それは後代の理論的なアプローチ(モードとか)ではオッケーな可能性がある。
そもそもマイルスがモード・イディオムに移行した理由こそが、バップ・イディオムによるアドリブに限界を感じていたからに他ならないわけですし。

理論的な枠組みは、大体時代が下る毎に自由になる傾向があります。これは、後代の理論には、必ずその前の時代の理論が内包されているからです。

つづく。

「使っていい音」について その1 〜Available Noteの謎

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2019年京都

問い:使っていい音、使ってはいけない音、というのがよくわかりません。
 自分がアドリブを吹いたりする時に、「あっこの音、はまっていない!」と思う瞬間はあります。おそらくその音の使い方が不適切なんだと思うんですけれども、なぜその音がいけないかが解らないんです……
 でも、理論書をみて"Available note scale"とか書いてあるものの範囲内でも、はまっていないなと感じる時があるんです。
 よくわかりません。

 これ説明難しいんですよ。

 例えばブルースの場合を考えてみましょう。厳密さでいうとちょっと不正確な話になるので詳しい人は片目をつむっていてください。*1

 Fのブルースの場合 Fのキーの音は全部使えます。これで7個 *2
 では、ブルーノートスケールを使えば、Ab、B(Cb)、Ebが加わります。
 さらに使っていい音は3つ増える。するとこれでもう10個の音が使えることになってしまいます。
 一オクターブ12音のうち10音が、なんらかの理論にあてはめて使っていい。
 じゃあ、原理的にどの音も使ってもよいということなんでしょうか?

 ちなみに、上の音列で出てきていない音はF#とDbですが、これらも、半音のアプローチノートかなんかで処理すれば、使っていけないことはありません。

 では、結局使ってもよい音、いけない音というのは何なんでしょうか?
 観念的に理論を勉強しようとする場合、必ず通る道ではないかと思いますが……

* * *

 実は、一つ一つの単音について、使ってはいけない音というのは存在しません。
 ちゃんと探せば、その音を使う根拠となる理論をひっぱりだしてくることはできるもんです。

 ですから単音のレベルで考える限りは、納得のゆく回答はないです。
 ですが、もう少し大きな流れにおいての音の正しさ(正確にいうとふさわしさ、か)正しくなさは存在しています。

 続く。

*1:厳密にいうとブルースはトニックセブンスといって、本来Fmaj7のところがF7になっている、特殊なコード進行なので、ダイアトニックコードとか、調性を初心者向けに考えるには向いていないんです。けどまあそこはもうこれで通しちゃう。

*2:厳密にいうと7thなのでEではなくてEbですけどね。Bop-StyleのブルースはEの音ばんばんでてきますね

コピーの功罪

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問:アドリブのソロに関してです。
「コピーは絶対にしたらいかん!」と言われる先輩もなかにはおられます。
私自身はした方がいいと思うんですけど……。

そもそもアドリブというものが必要なのか、という問いは、以前の質問を見て下さい。
jazz-zammai.hatenablog.jp


この質問は、むしろそれとはさらに逆、つまりインプロヴィゼーション原理主義のような人から発せられた感じですね。
インプロ至上主義というか、ね。

えーと、もし、こう言っているその人があなたの憧れ的な人(恋愛的な文脈ではなく)であり、あなたにとって絶対的な価値観の評価軸になっているのなら、その人を信じてついていけばいいと思います。
以上、回答おわり。

* * *

それ以外の人には代わりに僕が答えましょう(笑)

僕は『アドリブのコピーはした方がいい派』です。

でも、なかには、「アドリブのコピーをすると折角自分のもっている良いところをなくしてしまうから」とかいう理由でアドリブのコピーを好まれない方もいるようです。(フリージャズの名残なのかな?)

というか、これはおそらく言い方の問題で「コピーしたアドリブを人前で吹くべきかどうか」という問題ではないかと思います。
もし、そういう問題であれば、僕も無条件で「はい」とは言えません。

まずは字義通りに受け取って考えましょう。

アドリブのコピーそのものが悪いかどうかです。

オリジナリティ?

自分のなかにあるものをつきつめて、そして作り出したものは、確かに自分オリジナルと言えます。
ただ、無意識下の影響というものもある。
「十分に外界と遮断された環境」という付帯状況は必要かもしれませんが、
確かに自分の中で産みだされたものは、オリジナルと言っていいかもしれない。

しかし、あくまでそれは自分自身にとってオリジナルというに過ぎず、それが必ずしも世間にとって新しいものとは限らないわけです。

ある男が山に籠もって数学の理論を長年研究した。
そして独自に二次方程式の解法を発見した。
意気揚々と山を下りて見ると中学生でも教科書で教わる内容だった、という寓話があります。

「自転車の再発明」という言葉も有名ですね。

 人の想像力などたかがしれています。
 純粋に自分の中からオリジナルに生まれてきたものだからといって、それが必ずしも社会的にもオリジナルになりうるとは限りません。
 すでに誰かが見つけていたり、もっと悪いことに複数の人間の手で洗練された形に発展されたりということはあるわけです。

 現代は、こうした情報の洪水と無縁ではいられない、厄介な時代だといえます。
 ジャズにおいても然りです。

 ありとあらゆる音楽的な可能性は、さまざまなミュージシャンによって試行錯誤されています。
 一見フロンティアに見える領域も、大抵は先人の通った道です。
 特にジャズには理論的イノベーションに対して強迫的な傾向があります。
 例えばボイシング一つとっても、順列組み合わせで表されるすべての可能性は試されているといっても過言ではない。

* * *

 で、実際のところジャズミュージシャンのインタビューなど見ていると、若いときにはだれそれのコピーをしたとかそんな話よくでています。
 実際にプロの殆どはそうやってプロになっている。
 だからアドリブのコピーが悪いはずはないんです。

 少なくとも、完全にSelf-madeで上手くなった人間というのは殆どいません。
 オリジナリティというものをきちんと打ち出すためには、それまでに世に出たスタイルというのを踏まえておかないと、そもそもそれに客観的にみてオリジナリティがあるかどうかもわからないわけです。

 ただ、それは、先達のやったことに盲従しなさい、とか、
 先達のスタイルを、取り入れましょう、ということではありません。

 先達は、ある程度試行錯誤して現在のスタイルにたどり着いた。
 その結果をパクるのではなく、可能であれば、そのプロセスをパクりたい。
 どういう風スタイルを洗練させていったのか、その思考過程と、スタイルの模倣と融合の過程、そういうどうやって新しいものを産み出したのかが見えると、それを自分にも適用することができると思いますから。

コピーを人前で吹くことについて:

 ちなみに、他人のコピーを、人前で吹くべきかという話なら、これは明らかに、ノーです。

一つには、別の人間の作ったソロは、完全にコピーすることは出来ないからです。
この辺に関しては、「コピーフレーズについて」で触れました。
jazz-zammai.hatenablog.jp

また、仮に完全にコピーすることが出来ても、譜面になったものを吹く行為と、アドリブでその場でフレーズを組み立てるという行為は、そもそも本質的に違うものです。極端な話、たとえそのソロが譜面としては同じものであったとしても、奏者の意識は全く違います。

コピーしたソロを吹くことは、前提として無時間的な地図=譜面を再現する行為です。
譜面には時間はありません(というか、時間を含んだ存在です)。
すなわち、コピーしたソロを吹いている時、我々は、クロノス的な要素を放棄した、無時間いや超時間的な存在、いわば人間を超えたなにかになっている*1ということを意味します。コピーしたソロがしばしば不自然なのはそのためです。

コピーをするのは、そのソロの奏者が、どう考えてソロを組み立てたかを理解するためです。

自分の頭の中でソロを組み立てようと思っても、最初はどうしていいものかわかりません。
コピーをする事で、ソリストがどのように考えてソロを吹いているのか、という一端に触れることができます。

要するにコピーをするにしても「指」をコピーするのではなく「脳」をコピーしないといけない。

免許取り立てのドライバーが、遠くを見ずにハンドルの手元近くしか見えていないのと同様、訓練していない我々は、いきなりアドリブをしようとしても今吹いている所しか把握できません。それこそソロのなかでの大きな流れや起承転結に留意するなんて無理な話です。

上手なソリストは、広い視野を持っていてこういったソロの大きな流れを踏まえた上でソロを作ることが出来る。
もちろん局所局所の、音の使い方、フレーズのしまい方も、意識が行き届いています。とても参考になる。

よいソロをコピーするということは、こういった上手なソリストの意識をなぞってやるということです。
決して音をなぞるのが目的ではありません。

そして、これまた逆説的ですが、もし十分な練習の果てに、上述したような奏者の心理的な状況まで理解出来る段階までコピーすることが出来れば、そのコピーしたソロを吹く際に生じる不自然さはなくなります。

読書百編意自ずから通ずという言葉に、少し似ていますね。

しかし、この段階まで到達している場合、多分自分でアドリブが作れるようになっているはずです。
これも一つの逆説です。

コピーしか吹けないような状態で、コピーしたソロを吹くという行為がよくない理由がわかりましたでしょうか?

(2007 初稿をリライトしたものです)

*1:もちろん、「もし今吹いているソロが、アドリブで吹いているのであれば」という前提条件での話です。コピーしたソロというのは、所詮コピーしたソロのようにしか吹けないのです。